Curioso…

Aunque a simple vista pueda parecer que el protagonista de SHAME lleve una vida completamente descontrolada (ya que se nos retrata como un adicto al sexo, con impulsos o instinto mas que con sentimientos) si la comparamos con la de el resto de los protagonistas (por no decir con la propia de cada uno) vemos que sin duda la suya es la mas convencional de todas.

Si, le gusta el sexo en todas sus posibilidades (pornografía, encuentros con desconocidas/os, cibersexo…) ¿Y que? ¿Engaña a alguien? No. (Su jefe y amigo si) ¿Daña con su comportamiento a alguna otra persona? No. (Su hermana si) Pues así podríamos lanzar bastantes más preguntas con las que cada vez nos daríamos cuenta que quizá si dejar de trabajar a media mañana para comer o fumar no está (o estaba) mal visto, tampoco debería estarlo el dedicar el mismo tiempo a otras “actividades” igualmente placenteras…

Lo gitanos no quieren hijos con buenos principios… y lamentablemente ésto y poco mas es lo único que tiene SHAME, película del londinense Steve McQueen (pero no del que estás pensando sino de otro). Ocho magníficos primeros minutos en los que el espectador tiene que luchar entre, por un lado ver la presentación de su protagonista (un Michael Fassbender, que mas que adicto al sexo, es un hombre con una vida monótona, repetitiva y rutinaria en la que practicar sexo es simplemente una acción mas a cumplir en su día a día ) y por otro lado cerrar los ojos y escuchar la maravillosa pieza instrumental compuesta por Harry Escott. (Personalmente recomiendo la primera opción ya que para la segunda resulta mas barato iTunes)

La pena de un inicio tan prometedor es que irremediablemente la película termina defraudando a pesar de la impecable factura técnica e interpretativa. Michael Fassbender consiguió por esta interpretación la Copa Volti al mejor actor en el Festival Internacional de Cine de Venecia y es de justicia decir que es una interpretación magnifica aunque especialmente en las escenas no sexuales (para las sexuales yo me quedo claramente con Nacho Vidal). Por otra parte Carey Mulligan me sorprende aún mas que el propio Fassbender en un papel del que jamás creería que saldría victoriosa y que sin embargo borda, Sissy, una hermana “chupoptera” y vampira de todo aquel a quien se arrima y causante de que la ordenada vida del protagonista se tambalee.

Como ya he dicho, la película pierde interés  por que la propia historia no avanza, se queda anclada en un pasado desconocido por el espectador y que da pie a que cada uno saque su propia versión de la historia y ya sabemos que “los decentes” a la hora de imaginar la mierda de los demás no escatimamos en esfuerzo. Lo único que hace que mantenga la atención es el morbo de sentirnos desde nuestra butaca, cómodos “vouyeres” (que es el modo mas chic de llamar a uno cotilla) de las andanzas sexuales de su protagonista, pero realmente creo que en la actualidad pagar una entrada (a precio de palco en el MET de Nueva York) para ver una película que en algunos momento me recuerda cualquiera de las de la saga “Emanuelle” teniendo la posibilidad de ver porno gratis en la web, es de ser mucho mas perverso que el pobre protagonista de SHAME…

Si,otra película de/sobre la Guerra Civil Española…

Otra vez falangistas, curas, makis y rojos. Pero ¿Es igual que todas? Pues para mi sorpresa y para mi satisfacción… NO!

Resulta que Benito Zambrano en su tercera película parece que ademas de una sensibilidad brutal (mostrada en “Habana Blues” y especialmente en su opera prima “Solas”) es de los pocos directores que demuestra tener verdadera “memoria histórica”(pese a su ideología política). Señores del Cine, Paracuellos también existió y hasta a los falangistas mas falangistas los “rojos” les mataron algún o algunos familiares…. En todas las guerras hay víctimas de los dos bandos y con el tiempo todos son lo crean o no vencidos (que no perdedores). Perdonar, no olvidar… y reconocer.

Bravo por un director que exprime toda la carga emotiva posible de una situación sin caer en ñoñerías ni topicazos. Aunque quizá parte del mérito también sea de Dulce Chacón autora de la novela original de la que junto a Ignacio Del Moral, Zambrano ha adaptado el guión y que de ser cierto aquello de que nunca una película superó a su libro tiene que ser una verdadera joya.

Aunque para joyas joyas dos. María León e Inma Cuesta o Inma Cuesta y María León porque aunque a la hermana “del Luisma” ya la premiaron como mejor actriz en el pasado Festival de Donostia no se podría haber sido más injusto. Ambas (Pepita y Tensi) merecerían el mismo premio en cualquier festival o entrega de premios al que opten. Gratificante ver que actrices con tan poco recorrido cinematográfico (no digo lo mismo de series catódicas) puedan lograr estar a la altura o incluso muy por encima de otras ya consagradas como grandes.

Un diez al casting realizado por Rosa Estevez y Luis Gimeno por que a quien sea capaz de decirme un solo actor que no esté sobresaliente le invito a una cena donde quiera.

Espectaculares las reclusas de Ventas (esas miradas a su compañera mientras lee la carta de su marido), sus funcionarias (Ana Wagener yo mas que un premio quisiera conocerla),las monjas, los soldados, los makis, los falangistas y espectacular el diseño de producción, decorados, fotografía (vaya manera de reflejar el frío paisaje tanto ambiental como personal) y todo el equipo técnico de la película que hacen que ésta no sea otra película de/sobre la Guerra Civil Española sino como dice “La Tensi” sobre esa guerra que nunca debería haber existido.

Página oficial de la película aquí.

Ver mucho cine no te hace entender de cine, al igual que ver muchas operaciones no te convierte en cirujano… Pero que me digan donde tengo que firmar para que el resto de mi vida solo vea películas como ésta.

Aunque  a veces no entiendas lo que estás viendo (cuantas canciones nos gustan sin saber que dicen) ¡Da igual! Es tan hermoso que puedes estar contemplandolo sin cansarte y para ejemplo, el magnifico momento de la creación del Universo con la espectacular música que Zbigniew Preisner compusiera a la muerte de su amigo Krysztof Kieslowsky (director de “Azul” ) Lacrimosa de la obra “Requiem for my friend”. Menuda jugarreta la de Malick a Alexandre Desplat, al encargarle la banda sonora original de la película ya que por muy acertada que sea (que lo es) parece ninguneada al entremezclarse con otras piezas mas o menos clásicas que nos recuerdan el porqué se consideran como tal.

Un guión (firmado por el propio Malick) con poco diálogo (y lo poco suele ser en off) y que para mayor despiste no sigue un orden argumental sirve para retratar a la perfección la vida cotidiana de una familia americana (que podría ser cualquier familia de un país desarrollado) y de paso hacer una perfecta disertación sobre la Vida, la Muerte, la Religión y la fragilidad de todo lo que nos rodea. Pero para mi gusto, gran parte de la fuerza de la película reside en la fotografía del mejicano Emmanuel Lubezki. Su uso de la luz, la amplitud de campo (Pannina gracias por compartir tu sabiduría) incluso en interiores y mil cosas mas que yo no entiendo pero percibo, apabullan desde el primer momento.

De los actores (Brad Pitt, Jessica Chastain y Sean Penn) decir que están todos rozando la perfección aunque los que realmente alcanzan la gloria son los tres niños que hacen de hijos de Pitt y Chastain. No recuerdo haber visto jamas tanta naturalidad. En serio, desconozco la manera de trabajar de Terrence Malick pero no me sorprendería en éste caso el uso de cámara oculta…

¡Que barbaridad! Mientras exista cine así, no habrán efectos especiales ni 3D que puedan hacer sombra a tanta belleza junta.

Para terminar, mas que una película “El árbol de la vida” me parece un bellísimo poema que me emociona al recordarlo y que independientemente de los posibles significados que cada uno vea o quiera ver en sus imágenes a mi me sirve para disfrutar como pocas veces lo había hecho en un cine. No hace falta nada mas que  belleza para emocionar y ésta película me emociona desde su principio hasta su final.

Aviso! Abstenerse de ver ésta película si se padece de Síndrome de Stendhal.

Tráiler de la película aquí.

A dia de hoy, creo que ya conozco el nombre del próximo ganador del premio de la Academia Española de Cine (Goya) al mejor actor: Jose Coronado. Sin duda alguna el/lo mejor de la/una de las mejores películas que se estrenen en éste 2011.

Con solo tres películas de su variada filmografía, creo que seria justo considerar a Enrique Urbizu como uno de los mejores directores de cine negro español. No habrá paz para los malvados, La caja 507 (2002) y Todo por la pasta (1991) forman una trilogía-retrato de los bajos fondos patrios en la  que podemos observar que los comportamientos mas primitivos y  los ambientes mas sórdidos de nuestra sociedad no han evolucionado demasiado.

La película discurre por lineas argumentales paralelas pero unidas desde el primer momento por el Destino, que hace que una mala noche, un mal hombre que antes fue bueno (le dieron una medalla) esté en un mal sitio y realice una mala acción. A partir de ahí,el guión de Urbizu, escrito a medias con su ya habitual colaborador Michel Gaztambide nos muestra por un lado la investigación judicial a cargo de la Jueza Chacón/Helena Miquel sobre el posible inicio de una guerra de bandas de narcos colombianos y por otro como al mal hombre involuntariamente se le va presentando la posibilidad de volver a ser el buen hombre que fue.

Desde el primer plano en el que ves a Jose Coronado, te das cuenta que su Santos Trinidad es su Malamadre. Un personaje marginal por dentro y por fuera pero que en ningún momento logra ,a diferencia del de Luis Tosar en Celda 211 (2009) ganarse la simpatía del espectador.Tampoco lo pretende.Es mas, yo diría que es la versión dramática de Torrente.

Con una caracterización perfecta y con una interpretación que demuestra lo importante que es que tanto el actor como el director dominen su profesión Jose Coronado consigue desaparecer tras su personaje y llevar él solo todo el peso de la película ya que ( y por poner un pero) creo que el abuso en el reparto de actores televisivos para los personajes mas secundarios (entre todos ellos no creo que se escape ninguna de las series mas recientes de nuestra parrilla nacional) le resta credibilidad a la película. Y es que realmente ninguno de sus compañeros de reparto, el gavilán Rodolfo Sancho, el veraneante azul Juanjo Artero y Pedro María Sánchez si, el travieso Crispulo de La gran familia (1963) (si la recuerdas y no precisamente de verla en Cine de barrio es que eres tan viejo/a como servidor) están no digamos a su altura sino a una altura media.

En cuanto a aspectos mas técnicos hay que destacar la labor de Antón Laguna en la dirección artística y Unax Mendia en la fotografía que refuerzan poderosamente la carga dramática de la película.

En definitiva no estamos ante la mejor película de Urbizu ( sigo prefiriendo Todo por la pasta o La vida mancha (2003)) pero si (de momento) ante la mejor interpretación de Jose Coronado y la mejor película española del año.

Por cierto y a modo de curiosidad, el titulo de la película se corresponde con un fragmento de la Biblia, Isaias 48-22

“No tengas miedo” de Montxo Armendáriz es la típica película que de primeras a nadie le apetece ir a ver. Un tema muy incomodo que tiene que ser tratado de manera muy cuidadosa para no caer en ninguno de los clichés que tirarían todo el trabajo por tierra.

Al igual que “Te doy mis ojos” de Iciar Bollaín se muestra y enseña, pero no se juzga ni se fuerza a que uno u otro personaje actue de la manera correcta. Creo que ésto solo se logra a traves de un intenso y serio trabajo de investigación previo que permite escribir un guion solido, que no blindado, al igual que unos personajes compactos que no por estar mas en pantalla están mejor definidos. (Concretamente me refiero a Belen Rueda/la madre de Silvia que en su breve interpretación borda un papel cargado de matices que le hace estar presente incluso cuando no está. Yo no dejaba de preguntarme ¿Pero donde está esta mujer?)

Si Jason Bourne y Nikita tuvieran una niña ésta se llamaría Valentina como mi segunda hija o “Hanna” como la protagonista y tercera película de Joe Wright con la que me ha vuelto a sorprender cuatro años después de “Expiación” (lo siento pero me parece mil veces mas chulo su titulo original “Atonement”).

Si le tengo que poner un “pero” a “Hanna” es el que no sea una adaptación de ninguna magnifica novela como la anteriormente nombrada “Expiación” (novelón de Ian McEwan) o su primera película “Orgullo y prejuicio” (si no sabes que es una novela de Jane Austen, deja de leer esto y empieza a estudiar). Si, realmente es en el guión escrito a cuatro manos por Seth Lochhead y David Farr donde la película deja de ser perfecta como las anteriores y solo se queda en una película de acción para gente a las que no les gusta las películas de acción.

Pero si logras pasar por alto este único pero gran fallo, disfrutarás de 111 minutos magníficos llenos de una fotografía espectacular (Alwin H. Kuchler) una banda sonora (The Chemical Brothers) perfectamente integrada en la película y con una sincronización en algunos momentos que ni el propio Disney (y que escuchada en los sistemas de sonido de ultima generación de los cines actuales hace que te plantees si estás en el cine o en el Primavera Sound) y dos interpretaciones bestiales a cargo de Saoirse Ronan/Hanna y Cate Blanchett/Marissa Wiegler. Digo bestiales fundamentalmente porque la primera es una fierecilla salvaje y la segunda pese a su refinamiento exterior (impoluto peinado, impoluta ropa e impolutos modales) es una autentica mala bestia que mas que sentimientos tiene instintos.

Aunque a simple vista podría identificarse a Hanna como una moderna Caperucita, yo la veo mas bien como la versión femenina de Mowgli (El libro de la selva) el niño lobo criado y entrenado (riyete de Supernany) por Baloo que en este caso seria Eric Bana/Erik Heller de quien solamente puedo decir que me ha gustado su traje.

En fin, una película desconcertante (como su excesivo plano del cuadro flamenco) e irregular pero que gracias a la maestría de su director consigue mantener un buen ritmo y que en algunos momentos parece mas una película de David Linch que del propio Joe Wright. ( Uno de mis acompañantes ha llegado incluso a decirme -ahora solo hace falta que aparezca el enano de Twin Peaks…-).

Mi imagen favorita sin dudar la de Hanna/Saoirse metiéndose literalmente en la boca del lobo.

Mr. Wright si está usted leyendo esto… Sepa que uno le sigue admirando y le agradece su innovación.. Pero vuelva a los novelones!!!

Lo primero que se me ha venido a la cabeza al terminar de ver ésta “Caperucita roja ¿A quién tienes miedo?” de Catherine Hardwicke (culpable de “Crepusculo“) ha sido que cuanta razón tenía el lobo del chiste, al terminar el mismo diciendo: “-¡Pues si que ha cambiado la historia!-”

Según se cuenta por ahí, fue el mismísimo Leonardo DiCaprio (participante como productor ) quién propuso la idea de darle un giro al cuento clásico atribuido según preguntemos a Perrault o los hermanos Grimm. ¡Pero un giro! ¡No un centrifugado completo!

De entrada, Caperucita roja/ Amanda Seyfried ha pasado de ser una niña buena a ser un “pibón” al que se comería todo el mundo y no solo el lobo. Vive con sus padres en Daggerhorn que es una comunidad perdida tras un tenebroso bosque en la que ademas de lobos tienen “hombre-lobo” con el que para evitarse complicaciones han llegado a un pacto durante decadas al mas estilo King-Kong.

Pero algo huele a podrido en Daggerhorn y ese pacto se va a romper siendo la familia de Caperucita la que se vea mas afectada… Y no es para menos ya que en apenas 100 minutos asistimos a triángulos amorosos, asesinatos, adulterios, matrimonios de conveniencia y más intrigas que en el mismísimo “Twin Peaks“. Eso si, con una estética de cuento de hadas gótico perfecta, fotografía de video clip y música ( Fever Ray sobre todo) carne de cañon de descargas ilegales (le pese a quien le pese) que dan como resultado un producto a primera vista para “aborrescentes” y quinceañeros pero que si uno se lo toma como tal (un divertimento de cine y palomitas) puede disfrutarlo de lo lindo salvo por su final, que como en toda película de pseudo-terror-teen, con un motivo estúpido se quita efectividad a todo lo visto.

Como ya he dicho antes todos los apartados técnicos de la película están a la altura de una gran superproducción made in USA salvo el mismísimo lobo que gráficamente no resulta nada creible  y que casualmente asemeja bastante a los aparecidos en la saga “Crepusculo”.Muy buenas interpretaciones de la mayoría de actores entre los que destaco sin duda a Gary Oldman/Padre Solomon y Julie Christie /La abuelita.

Personalmente la gran sorpresa de esta versión es que si bien en ningún momento he considerado que estaba ante una pelicula de terror, si se logran situaciones de suspense mantenido creo que  fundamentalmente por la oscuridad de las situaciones (magnífica la escena del baile) y sus personajes que choca con la imagen dulce y bondadosa que nuestra memoria infantil y colectiva tiene de ellos.

Y colorín colorado , este post se ha terminado…..

Ver trailer

Que los premios no siempre son justos no es algo nuevo ( todos hemos sufrido en nuestras carnes como le daban uno a alguien que lo merecía muchísimo menos que nosotros…) y en el caso de “En un mundo mejor”/”Haevnen“ de la directora danesa Susanne Bier está mas que claro. Aun siendo la flamante ganadora del Oscar a  la película de habla no inglesa creo que no es una pelicula tan redonda como “Despues de la boda” también de Bier y que fue desbancada en el año 2006 del  mismo premio por la película sudafricana “Tsotsi“.

Lo primero decir que el dinero de la entrada es un dinero bien empleado,pero le falta algo para salir completamente satisfecho y creo que ese algo es precisamente el final.Pero vayamos por partes…

Al igual que en la mencionada  ”Despues de la lluvia” la película empieza mostrando los dos tipos de sociedad actual, la rica (familias acomodadas y de clase media que viven en una Dinamarca sin necesidades) y la pobre (un campo de refugiados africano).El nexo de unión entre ambos mundos es Anton/Mikael Persbrandt, médico que trabaja como voluntario en el campamento donde tiene que enfrentarse además de a la escasez de medios y abundancia de necesidades a un cacique sádico que tiene aterrorizados a la mayoría de los refugiados a base de violencia. Anton tiene su familia en Dinamarca, una mujer de la que se está divorciando Marianne/Trine Dyrholm y dos hijos. El mayor de ellos, Elias/Markus Rygaard de unos doce años sufre acoso escolar (violencia) mas o menos consentido por los profesores del centro (que prefieren enfrentarse antes a la víctima que al agresor) pero la llegada de Christian/William Johnk Nielsen y su padre Claus/Ulrich Thomsen cambiará las cosas.

Christian es otro chico de la edad de Elias que acaba de quedarse huerfano de madre y que culpa a su padre por ello. Tiene mucho dolor en su interior y como toda energía, el dolor en este caso se transforma en violencia. Elias y Christian se hacen amigos y deciden que la mejor manera de enfrentarse a la violencia es mas violencia pero frente a esta nueva manera de pensar y reaccionar de su hijo, Anton intenta demostrar cual Atticus Finch que enfrentarse a la violencia sin violencia es la verdadera forma de ganar. (Buenísima la escena en el taller de Larss).

La pelicula tiene un planteamiento brillante aunque no original (violencia genera violencia) de cual surgen ademas otros secundarios como la educación que reciben los niños actualmente por parte de los centros (impresiona que una de las actividades de la semana sea la construcción de un mosquetón) los padres y todo aquello que les rodea (entendiendose por todo aquello, internet fundamentalmente donde se tiene al alcance de un “clik” todo lo que uno deberia y no deberia saber). O si el ser padre ¿implica algo más que pagar los gastos que generan los hijos? ( que es lo que debe pensar Claus, el padre de Christian).

Lo que en un principio se agradece del guión coescrito por la propia Susanne Bier y Anders Thomas Jensen así como de la dirección,es que muestran la acción sin ningun tipo de añadido sentimental (incluso la música de Johan Söderqvist se mantiene discretamente en segundo plano salvo en alguna secuencia donde se utiliza la composicion vocal) y así se mantiene hasta casi llegado el final donde en cinco minutos toda la moralina y sentimentalismo propio de un telefilme de sobremesa dominical estropean el buen trabajo anterior.

Por cierto “haevnen” ( titulo original) significa “venganza” que viene a ser una forma de generar violencia…

Hacia tiempo que no iba al “Multicines Larios” (los evitaba por recordar sus butacas con el respaldo demasiado alto, lo que me obligaba a mantener una postura incomoda) pero como era la única sala donde se proyectaba no me quedó más remedio que aguantarme… ¡Que grato reencuentro! Palomitas de caramelo (pero de las de colores, no las otras que tienen un regusto amargo) los asientos mas cómodos de como los recordaba (quizá mutó mi cuerpo) y 103 minutos disfrutando como un loco.

“Nunca me abandones” es la adaptación que Mark Romanek (si, el mismo que dirige  video clips para Madonna, Coldplay, Michael y Janet Jackson …etc) realiza de la novela homónima del escritor anglo-nipón Kazuo Ishiguro (si, el mismo que escribió “Lo que queda del día”) con ayuda de una magnífico guión adaptado por Alex Garland (si, el autor de la novela “La playa” y guionista de “28 dias despues” de Danny Boyle).

El trabajo como director de videos musicales de Romanek se nota desde el primer momento y está perfectamente apoyado sobre todo en el magnífico Diseño de producción de Mark Digby , la preciosa Dirección de fotografía de Adam Kimmel Asc y el genial guion antes mencionado.

Es una película en la que todo a primera vista es precioso pero conforme va pasando el tiempo va transformandose en horrible (aunque sin perder un minimo de belleza). Precioso Hailsham, el colegio donde se crian los protagonistas, pero horrible su función. Preciosa la playa, pero con oleaje y viento que impiden bañarse en ella.Preciosa la música de Rachel Portman, pero te hace sentirte igual de desangelado que los personajes (preciosos) entre los que destaca sobre todo  Carey Mulligan. Ella (junto a la actriz infantil Isobel Meikle-Small) da vida a Kathy, la protagonista y narradora de la película. Desde que la vi en “An Education” y pese a los elogios leidos sobre ella nunca me convenció debido quizá a su físico demasiado ingenuo para mi. Viendo esta pelicula he de reconocer que no se me ocurriría nadie que exprese mejor con su mirada y media sonrisa tanta tristeza,ingenuidad y sobre todo resignación. Sus compañeros de reparto son Keira Knightley menos guapa que otras veces pero igual de bella y convincente que siempre y Andrew Gardfield genial con un personaje dificil por su simpleza… Solamente puedo decir que los tres están de premio y juntos forman un “bizarre love triangle” perfecto.

Es una película de miradas, gestos y silencios. Y es precisamente las cosas que el director muestra pero no dice las que mas pesan… cicatrices de operaciones indicando el final proximo,  miradas de cariño a escondidas,  juguetes usados por otros y entregados como tesoros, fichas de colores como si fueran moneda, juguetes guardados a lo largo del tiempo (ese caballito blanco) que nos recuerdan al verlos que lo que pudo ser..no existe ni existirá. Y resignación ante un destino conocido, no deseado pero obligado por un sentido del deber inculcado desde pequeños.

No quiero hacer referencia al argumento (ciencia-ficcion y drama) solo señalar que el “macguffin” me resulto cruel como pocos… y que la sensación de soledad de esos niños/jóvenes me ha durado algunos días mas de lo deseado.

Dos cosas he aprendido de esta película. Primero, que sepamos o no cual es nuestro destino, el tiempo es fugaz y hay que disfrutarlo con la gente que queremos y nos quiere. Y segundo, llevar siempre un pañuelo al cine!