DUNKERQUE / DUNKIRK

1. 

De entrada el género bélico no es mi fuerte, pero según declaraciones del propio Nolan, «Dunkerque» no es una película de guerra (que no ausente de metralla y explosiones). Por otra parte debo reconocer que el trailer de la película no me despertó a priori mucha curiosidad, pero bueno, la carne es débil y la cartelera en verano más… El caso es que acabo de pasar uno de los mejores ratos que últimamente recuerdo en el cine. Creo que desde el «Let it go« de «Frozen» no disfrutaba tanto viendo una película, pero con ello no quiero decir que se trate de un peliculón o la película de mi vida si no que simplemente he flipado, disfrutado y sufrido mucho, porque sufrir se sufre mucho viendo «Durkerque». Como decía Allen en «Misterioso asesinato en Manhattan» -me ha chorreado la adrenalina por las orejas-.

Tres elementos: tierra, mar y aire, tres lineas temporales diferentes: una semana, un día y una hora y un grupo de personajes y situaciones en cada una de ellas que terminaran confluyendo con los más de 300.000 soldados evacuados en la histórica Batalla de Dunkerque de 1940. Todo muy Nolan pero a la vez creo que «Dunkerque» es su película menos Nolan (aunque además de director es guionista) lo cual se agradece tanto por los fans como los neófitos del «nolanismo«. Muy pocos diálogos, acción moderada pero magistralmente estirada con un gran despliegue de planos y giros de cámara y sobre todo tensión. Mucha tensión o más bien diría que angustia desde el minuto uno, hasta tal punto que he salido casi físicamente cansado de encoger cuello, hombros y mandíbulas.

¿Es mérito de Nolan? pues yo diría que en un 50% si, pero en el otro 50% es gracias a la MAGISTRAL banda sonora (o diseño de sonido) que Hans Zimmer ha firmado de nuevo para Nolan. Escuchada aisladamente no resultará tan emotiva como las de «Gladiator», «El rey león» u «Origen», pero lo mismo le pasaría a la cinta de Nolan sin ella, se perdería todo el efecto que consiguen juntas. Y es que realmente es espectacular ver las imágenes y ver como la música las refuerza al 200% de tensión y dramatismo. De hecho, creo que «Dunkerque» es una película para ver exclusivamente en el cine (de ahí que no la considere perfecta) ya que por mucho sonido y pantallón que tengamos en casa, nada igualará la experiencia de la pantalla grande, así que aprovechad el verano, id al cine que se está muy fresquito y disfrutad sufriendo de lo lindo en «Dunkerque».

Perdida / Gone girl

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Si me preguntaran de que género es «Perdida», la verdad es que tendría ciertas dudas ya que empieza como una ¿comedia romántica? pero rápidamente pasa a ser un «thriller» o incluso un dramón terrorífico. Independientemente del género y por encima de todo «Perdida» es un peliculón, un auténtico «blockbuster» que trata al espectador con el respeto que merece pagar casi 9 eurazos por entrada…

Con el guión adaptado por la propia autora de la novela original Gilliam Flynn y el toque de David Fincher (para muchos el heredero de Hitchcock avalado por títulos como «Seven», «El club de la lucha» o «Zodiac» ) el espectador se va a pasar 145 minutos como un auténtico borreguito  pensando lo que en cada momento el director quiere que pensemos.

La historia simplemente retorcida, (una esposa perdida, un marido sospechoso, una policía que investiga y la opinión publica imponiendo su verdad ) permite a  Fincher además de entretenernos, hacer una muy acertada reflexión sobre el poder (en positivo y en negativo) que ejercen los medios de comunicación, así como el retrato de un matrimonio (muy cool) al que la crisis económica debilita algo más que el bolsillo.

Fincher tira de su agenda habitual desde hace años en los apartados técnicos con Trent Reznor y Atticus Ross en la música o Jeff Cronenweth en la fotografía lo cual se agradece pero empieza a resultar peligrosamente repetitivo, especialmente en lo referente a la banda sonora,  con momentos demasiados parecidos a la de «La red social».

Ben Affleck, ese gran director («Adiós pequeña, adiós») y mediocre actor, sorprende gratamente como marido simplón y sospechoso, pero la que se lleva la palma es la desaparecida. Rosamund Pike, la dulce y perfecta Jane Bennet de la magnifica «Orgullo y prejuicio» de Joe Wright ha conseguido primero hacerse con el papel más codiciado del año por las actrices y segundo salir con nota alta de él. 

Realmente todo encaja al milímetro para que el resultado sea cine de calidad para todos los públicos y aunque no aporte nada nuevo es una de las películas que todo el mundo va a comentar. Por cierto y sin intención de ser «spoileador«… ¿he sido el único en acordarse de una muy famosa película de  Julia Roberts o a ti también te ha pasado a mitad de la película?

 

 

La isla mínima

Impecable desde el principio, con unos elegantes y atípicos títulos de crédito como perfecta antesala a lo que nos espera en los siguientes minutos, La isla mínima es sin duda y a falta de 3 meses para que termine, la mejor película española del año. Alberto Rodríguez ha dirigido una película árida y axfisiante en la que sólo de vez en cuando se nos permite coger aire gracias a esos impresionantes planos cenitales que nos alejan momentáneamente de lo que ocurre en tierra firme.

Un guión (a medias con Rafael Cobos) parco pero lleno de matices tanto en los diálogos como en los silencios que narra una historia aparentemente simple que sin necesidad de golpes de efecto, giros rocamboléscos o multitud de personajes nos va llevando a su antojo por donde quiere. Caciquismo, drogas, luchas sindicales, abusos sexuales y toda una selección de conductas humanas que aunque perfectamente ambientada (olé! a esa dirección de arte) en un pequeño pueblo de las marismas del Guadalquivir de los años 80 desgraciadamente, nos recuerda demasiado a tiempos actuales.

La fotografía de Alex Catalán y la música de Julio de la Rosa juegan un papel fundamental a la hora de sumergirnos en la atmósfera tan agobiante que rodea a todos los personajes.

Interpretaciones perfectas entre las que sobresale sin duda la de Javier Gutierrez (Goya al mejor actor 2014 por «La isla mínima» y si no, ya veréis en febrero…) con un personaje «de durse» para cualquier actor pero solo a la altura de unos pocos. Raúl Arévalo casi a la altura de su compañero pero superado tanto por Antonio de la Torre (quien con su frase -¿Ustedes saben por qué están aquí?- demuestra porqué es uno de nuestros mejores actores) como por Salva Reina que borda un papel que espero le haga despegar definitivamente. El resto de secundarios son tan solventes y convincentes que potencian aún más los papeles principales. Por cierto un 10 al representante de Jesús Castro que ha conseguido meter a un desconocido en las dos películas mas importantes del cine español del año. Únicamente le pongo un «pero» a esa selección de actores perfecta, no me cuadra Nerea Barros (que lo borda, salvo por su falta de acento) en un sitio así!!

En fin, un peliculón que en Hollywood podría estar firmado por David Fincher y que gracias a Dios no!!

Respecto a si se parece demasiado o no a «True detective»… ¿Que más da? El gazpacho es muy parecido a la porra y los dos están buenísimos.

Una cita para el verano / Jack goes boating

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Bueno, teniendo en cuenta que la película es del 2010 y que casualmente se ha estrenado meses despúes de la (siempre lamentable) desaparición de su director y protagonista Philip Seymour Hoffman y una vez vista la película solamente se me ocurre decir que he sido víctima de otra acción descarada de marketing cinéfilo.

Mucho rollito en plan -«Philip Seymour Hoffman nos sorprende como director…»- Efectivamente, pero no se si para bien o para mal. El caso es que uno ya va un poco sobreavisado… que si Festival de Sundance, que si cine post indie newyorquino basado en una obra teatral del off Broadway, que si Philip Seymour Hoffman… ¡¡Paparruchas!! que diría el genial Ebenezer Scrooge. El resultado es una película por momentos aburrida (los mejores) y por momentos ridícula que da la sensación que en la sala de montaje se quedó material fundamental para entenderla un poco mejor pero que en ralidad no aportaría nada más que sufrimiento al espectador.

¿Las interpretaciones? Pues realmente nada del otro mundo… Si queréis ver a sus dos protagonistas en una buena película os recomiendo ver la magnífica «Antes de que el diablo sepa que has muerto» de Sidney Lumet donde Philip Seymour Hoffman y Amy Ryan compartieron pantalla tres años antes.

Modernos y culturetas del mundo, «Una cita para el verano» no es nuestra cita.

 

Her

A Spike Jonze sólo le ha faltado rodar con una cámara «Lomo» para que HER sea la primera película totally hipster de la historia. Puedo imaginar ordas de gafapastas abarrotando cines en V.O. de todo el mundo y tertulieando la película con un «frapuccino latte» en cualquier «Starbucks» del mundo…

Bueno, debo confesar que salí del cine muy contento y satisfecho con lo que había visto… Una película lo suficientemente personal como para que a mucha gente le parezca rara, pero lo suficientemente simple para que yo la hubiera podido comprender y no tener que buscar interpretaciones raras ni silogismos indescifrables creados por la mente personalísima de un director considerado de culto por muchos y de culturetas por no menos muchos.

Si no fuera porque está más que demostrado gracias a su personalísima filmografía que se trata de un director clasificable como de cualquier cosa menos de comercial, podríamos decir que Spike Jonze se ha dedicado a recolectar las últimas influencias de la globalización 2.0 y las ha combinado cada una en su justa medida para crear una falsa historia de amor y una muy real historia de soledad…

Aunque a primera vista podría resultar una propuesta novedosa, realmente la Historia del cine está llena de personajes como Samantha (Ai, Simone, Blade Runner, o la patria EVA) pero a mi que soy muy de buscar similitudes, me ha gustado que el titulo de la película , HER , sea muy parecido a :

• HEL, nombre de la mujer del científico que en la obra maestra de Fritz Lang Metrópolis, construye al robot que suplanta a Maria y cuyo espíritu (o sistema operativo…) posee.

• HAL 9000 una supercomputadora de ultima generación que en 2001 Una odisea del espacio de Stanley Kubrick dirige la nave usando inteligencia artificial comunicándose mediante el habla con los humanos que tripulan la nave.

Pero teorías paranóides aparte, lo que Jonze nos propone es un futuro-cercano/ presente-lejano en el que todos estamos cada vez más conectados pero más solos.

Theodore es un «hombre blandengue» que diría El Fary y que borda Joaquin Phoenix (la gran baza de la película) culto, sensible, trabajador, con sentido del humor gafas y bigote (es cool) montones de amigos pero incapaz de asumir su reciente separación e inevitable divorcio (yo tampoco asumiría jamás un divorcio de la súper hipster Rooney Mara) que entabla una relación sentimental con un sistema operativo (Si, ¿Os imagináis enamorados de vuestro Windows..?) interpretado en la V.O. por Scarlett Johansson (según las malas lenguas, su mejor papel hasta la fecha).

A partir de aquí, fotografía, diseño, muebles, encuadres, planos, filtros y localizaciones (Los Ángeles y Pudong, en China) propias de Instagram, música de Arcade fire, unos diálogos hombre-sistema operativo que podrían estar escritos a medias con Isabel Coixet y alguna situación que roza el ridículo (el momento feria, compro pizza) pero que encajan perfectamente y funciona a las mil maravillas logrando que algo que en otras manos hubiera sido un autentico bodrio, sea una magnífica película de ciencia-ficción romántica.

Mi duda es si HER es una película que envejecerá bien o que como los propios sistemas operativos en un breve espacio de tiempo necesitará actualizarse para no quedarse como la película que en su época fue sobrevalorada por la comunidad hipster/cultureta/gafapasta cual becerro dorado de la modernidad…

«Agosto»

 

 

 

 

 

 

 

 

Agosto es una película ambientada en Oklahoma, pero solamente de puertas afuera… Una vez que entramos en la casa de la familia Weston podríamos encontrarnos dentro de cualquier casa del mundo incluida la propia y es que todos hemos tenido o estado en alguna reunión familiar que termina saliéndose de madre…

Agosto es una película de John Wells que adapta una obra de teatro de Tracy Letts (con la que consiguió el Premio Pulitzer en 2008) y eso se nota desde el primero de los diálogos. Básicamente se trata de un culebrón de dos horas donde no queda títere sin cabeza pero con un aire cultureta que nos hace disfrutar de la miseria ajena pero a nivel high class y siempre encontrando más paralelismos con nuestras propias vidas que los deseados.

Si buscas acción, Agosto no es tu película. ¿Por qué deberíamos ir a ver Agosto? Fácil, vuelve a mirar el cartel que acompaña este post y dime a cuantos de los actores y actrices que ves ahí reconoces… A todos!! Elenco de primera fila tanto del cine comercial como del cine indie, al cual hay que añadir el nombre de Sam Shepard (también ganador en la vida real del premio Pulitzer por su obra Buried Child en 1979).

Mucho drama, bastante humor negro, escenas potentes,diálogos brutales, interpretaciones todas excelentes (no voy a entrar a comentar los duelos interpretativos de Meryl Streep, Julia Roberts, Ewan McGregor, Benedict Cumberbatch, Abigail Breslin, Chris Cooper, Juliette Lewis, Sam Shepard, Dermot Mulroney, Margo Martindale, Misty Upham, Julianne Nicholson y Newell Alexander, porque haberlos hailos aunque no podría decir quien gana) alguna localización de exteriores que se agradece para no resultar demasiado estático y una música de Gustavo Santaoalla (para mi gusto compositor de estilo pelín monotemático y repetitivo en cuanto a uso de guitarra y melancolía) hace que disfrutemos de una de las películas que seguramente estén presentes en las candidaturas a los próximos premios Oscar.

Eso si, como en todas las películas en las que priman las interpretaciones sobre la propia historia, es una pena no poder disfrutarla en versión original.

«Anna Karenina»

 

 

 

 

 

 

 

 

Una de las expresiones que mas utilizo si algo me gusta mucho se la robé a los bohemios de «Moulin Rouge» cuando trataban de convencer al Duque para que les financiase su musical. Pues bien, si ves la «Anna Karenina» que ha firmado Joe Wright como quinta película, te vendrá sola a la mente  -¡¡Espectáculo Espectacular!! –

Jamas leí la novela de León Tolstoi ni vi ninguna adaptación así que lo único que conocía de la obra era su autor, su género y su (¡¡cuidado espoiler!!) dramático final.

La historia imagino que en su época (publicada 1877) causaría una gran conmoción pero a estas alturas y tras unos cuantos viernes de «Sálvame de luxe» tengo que decir que no es nada del otro mundo. Aunque realmente lo que yo quería ver y he visto de sobra, era ese derroche y poderío que en tiempos de crisis se agradece.

Tengo que reconocer que en un principio la puesta en escena tan literalmente «teatral» me ha desconcertado e incluso irritado pero de pronto… Llegó la mejor escena que veré este año y ¡ZAS! atrapado de lleno en la película. Me refiero a la escena del baile. ¡Que pasada! ¿Como se puede decir mas con menos palabras? Que genialidad todo!! El movimiento de cámara, el uso de la música, la interpretación de los actores y todo lo que no se veía en pantalla pero que se intuía: Horas y horas de ensayos y preparación de la escena. Lo malo es que a partir de ahí ya era imposible mantener el nivel y aunque el espectáculo ha seguido siendo espectacular hasta la bajada del telón, se ha podido apreciar un ligero desnivel.

Wright, como hacemos casi todos, tira de sus colaboradores habituales para la música (el magnífico Dario Marianelli) vestuario (Jacqueline Durran ganadora del Oscar por este trabajo) y fotografía (Seamus McGarvey o la reencarnación del pintor romántico Caspar David Friedrich) que juegan un papel en este caso casi mas importante que el propio guión ya que es una película muy estética y visual lo que por otra parte y junto con su teatralización hace empobrecer a los personajes, pero no a sus interpretes (Keira Knightley, Aaron Johnson y Jude Law) que aguantan el tipo mas que satisfactoriamente en este experimento.

Genial el uso del espacio y escenografía (bravo a la dirección artística de Sarah Greenwood y Katie Spencer) así como los cortes bruscos de acción que convertían por segundos la película en verdaderos «diaporamas» que remarcaban aun mas las situaciones.

En definitiva, yo he flipado!!

Un juego… ¿Donde está el Sr. Darcy? ; )

«Young adult»

No se si también le ocurre a mucha gente, pero tengo un don. Ya me sucedió con las Spice girls y ahora con las últimas películas de Jason Reitman (Juno, Up in the air y YOUNG ADULT) Cuanto menos le gustan a la gente más me gustan a mi…

Como buen aficionado al cine, me resulta agradable que me sorprendan en una película, pero no que me engañen y con engaño me refiero a la campaña de publicidad que ha vendido YOUNG ADULT como si se tratara de la nueva comedia del tándem Reitman/Diablo. Será nueva, pero es cualquier cosa menos una comedia…

Realmente la historia es lo de menos en YOUNG ADULT. Si, te atrapa el ver a la guapísima Charlize Theron (en una interpretación que no entiendo como no ha tenido ninguna recompensa en cuanto a nominaciones o premios, porque sinceramente es la mejor que le he visto hasta la fecha) intentar reconquistar a su amor de juventud Patrick Wilson, bajo la mirada de su fortuito compañero de fatigas Patton Oswalt. Pero el guión de la diabólica Cody no deja que los labios del espectador se curven hacia arriba mas de unos cinco grados. No da tregua. Personajes perdedores (¿como es posible que viva tanta gente así en un mismo lugar?), localizaciones de perdedores (el «american dream» está cada vez mas claro que solamente se encuentra en NYC o LA y que el resto de los EEUU no son ninguna de esas dos ciudades) y ausencia de música en la mayor parte de la película unido a la dureza de los diálogos ( si Juno era sarcástica YOUNG ADULT es dañina) hace que el espectador se sienta incómodo viendo la película y que pese a la primera impresión al abandonar la sala, no sea hasta unos minutos después cuando se de cuenta de que realmente la película si le ha gustado aunque no era la película que había entrado a ver.

Es una película dura en la que se hace una reflexión sobre lo que todos soñamos con llegar a ser, de lo que todos llegamos a ser y de lo duro que resulta darnos cuenta que una cosa y otra no se parecen ni por asomo. Creo que a eso se le llama madurar y es precisamente lo que su protagonista va haciendo a lo largo del metraje, aunque a base de palos. Ella tiene claro lo que quiere (o no) y deforma su percepción de la realidad autoengañandose (como todo el mundo)  pero como en todo autoengaño el truco solo funciona para uno mismo y jamás con el resto de la gente. Es en este punto donde el espectador deja de divertirse para empezar a sufrir al ver como alguien va metiendo la pata cada vez mas y mas. Lo bueno ante tanto malo, es la ausencia de moralína en el guión. Las cosas son como son. Unas veces malas y otras peores!

Ojo!! No estoy haciendo una critica negativa de la película, sino todo lo contrario. Buenos diálogos, buena fotografía y buenísimas interpretaciones pero también diálogos duros y demasiado directos para la suavidad a la que el cine americano nos tiene acostumbrados, fotografía de lugares cutres e interpretaciones de personajes perdedores.

Así pues si quieres ver una buena comedia, ésta no es tu película. Pero si quieres ver una buena película YOUNG ADULT lo es.

«Shame»

Curioso…

Aunque a simple vista pueda parecer que el protagonista de SHAME lleve una vida completamente descontrolada (ya que se nos retrata como un adicto al sexo, con impulsos o instinto mas que con sentimientos) si la comparamos con la de el resto de los protagonistas (por no decir con la propia de cada uno) vemos que sin duda la suya es la mas convencional de todas.

Si, le gusta el sexo en todas sus posibilidades (pornografía, encuentros con desconocidas/os, cibersexo…) ¿Y que? ¿Engaña a alguien? No. (Su jefe y amigo si) ¿Daña con su comportamiento a alguna otra persona? No. (Su hermana si) Pues así podríamos lanzar bastantes más preguntas con las que cada vez nos daríamos cuenta que quizá si dejar de trabajar a media mañana para comer o fumar no está (o estaba) mal visto, tampoco debería estarlo el dedicar el mismo tiempo a otras «actividades» igualmente placenteras…

Lo gitanos no quieren hijos con buenos principios… y lamentablemente ésto y poco mas es lo único que tiene SHAME, película del londinense Steve McQueen (pero no del que estás pensando sino de otro). Ocho magníficos primeros minutos en los que el espectador tiene que luchar entre, por un lado ver la presentación de su protagonista (un Michael Fassbender, que mas que adicto al sexo, es un hombre con una vida monótona, repetitiva y rutinaria en la que practicar sexo es simplemente una acción mas a cumplir en su día a día ) y por otro lado cerrar los ojos y escuchar la maravillosa pieza instrumental compuesta por Harry Escott. (Personalmente recomiendo la primera opción ya que para la segunda resulta mas barato iTunes)

La pena de un inicio tan prometedor es que irremediablemente la película termina defraudando a pesar de la impecable factura técnica e interpretativa. Michael Fassbender consiguió por esta interpretación la Copa Volti al mejor actor en el Festival Internacional de Cine de Venecia y es de justicia decir que es una interpretación magnifica aunque especialmente en las escenas no sexuales (para las sexuales yo me quedo claramente con Nacho Vidal). Por otra parte Carey Mulligan me sorprende aún mas que el propio Fassbender en un papel del que jamás creería que saldría victoriosa y que sin embargo borda, Sissy, una hermana «chupoptera» y vampira de todo aquel a quien se arrima y causante de que la ordenada vida del protagonista se tambalee.

Como ya he dicho, la película pierde interés  por que la propia historia no avanza, se queda anclada en un pasado desconocido por el espectador y que da pie a que cada uno saque su propia versión de la historia y ya sabemos que «los decentes» a la hora de imaginar la mierda de los demás no escatimamos en esfuerzo. Lo único que hace que mantenga la atención es el morbo de sentirnos desde nuestra butaca, cómodos «vouyeres» (que es el modo mas chic de llamar a uno cotilla) de las andanzas sexuales de su protagonista, pero realmente creo que en la actualidad pagar una entrada (a precio de palco en el MET de Nueva York) para ver una película que en algunos momento me recuerda cualquiera de las de la saga «Emanuelle» teniendo la posibilidad de ver porno gratis en la web, es de ser mucho mas perverso que el pobre protagonista de SHAME…

«La voz dormida»

Si,otra película de/sobre la Guerra Civil Española…

Otra vez falangistas, curas, makis y rojos. Pero ¿Es igual que todas? Pues para mi sorpresa y para mi satisfacción… NO!

Resulta que Benito Zambrano en su tercera película parece que ademas de una sensibilidad brutal (mostrada en «Habana Blues» y especialmente en su opera prima «Solas») es de los pocos directores que demuestra tener verdadera «memoria histórica»(pese a su ideología política). Señores del Cine, Paracuellos también existió y hasta a los falangistas mas falangistas los «rojos» les mataron algún o algunos familiares…. En todas las guerras hay víctimas de los dos bandos y con el tiempo todos son lo crean o no vencidos (que no perdedores). Perdonar, no olvidar… y reconocer.

Bravo por un director que exprime toda la carga emotiva posible de una situación sin caer en ñoñerías ni topicazos. Aunque quizá parte del mérito también sea de Dulce Chacón autora de la novela original de la que junto a Ignacio Del Moral, Zambrano ha adaptado el guión y que de ser cierto aquello de que nunca una película superó a su libro tiene que ser una verdadera joya.

Aunque para joyas joyas dos. María León e Inma Cuesta o Inma Cuesta y María León porque aunque a la hermana «del Luisma» ya la premiaron como mejor actriz en el pasado Festival de Donostia no se podría haber sido más injusto. Ambas (Pepita y Tensi) merecerían el mismo premio en cualquier festival o entrega de premios al que opten. Gratificante ver que actrices con tan poco recorrido cinematográfico (no digo lo mismo de series catódicas) puedan lograr estar a la altura o incluso muy por encima de otras ya consagradas como grandes.

Un diez al casting realizado por Rosa Estevez y Luis Gimeno por que a quien sea capaz de decirme un solo actor que no esté sobresaliente le invito a una cena donde quiera.

Espectaculares las reclusas de Ventas (esas miradas a su compañera mientras lee la carta de su marido), sus funcionarias (Ana Wagener yo mas que un premio quisiera conocerla),las monjas, los soldados, los makis, los falangistas y espectacular el diseño de producción, decorados, fotografía (vaya manera de reflejar el frío paisaje tanto ambiental como personal) y todo el equipo técnico de la película que hacen que ésta no sea otra película de/sobre la Guerra Civil Española sino como dice «La Tensi» sobre esa guerra que nunca debería haber existido.

Página oficial de la película aquí.